De la paráfrasis melódica al enfoque acorde-escala y la improvisación modal en el jazz.

 

En continuidad con el desarrollo de los aspectos fundamentales de la improvisación en el jazz, este artículo propone una mirada musicológica sobre distintas estrategias utilizadas por los intérpretes a lo largo de la historia del género. Si en entregas anteriores se abordaron los fundamentos de la improvisación como fenómeno estructurante del lenguaje jazzístico, aquí nos centraremos en tres modelos específicos que dan forma al discurso melódico: la paráfrasis melódica, el enfoque acorde-escala y la improvisación modal.

Lejos de tratarse de simples técnicas, estos enfoques representan modos de concebir la relación entre el intérprete y el material musical, articulando dimensiones históricas, estilísticas y cognitivas. Comprenderlos en su especificidad y en su interacción permite no solo enriquecer la escucha, sino también profundizar en las prácticas analíticas y pedagógicas del jazz.

Uno de los métodos más tempranos y reconocibles de improvisación consiste en la paráfrasis melódica. Este enfoque, característico del jazz tradicional y del swing, se basa en la modificación de una melodía preexistente —habitualmente extraída del repertorio popular o del cancionero de standards— a través de variaciones ornamentales, alteraciones rítmicas o reformulaciones tímbricas, sin perder de vista el contorno reconocible del tema.

Desde una perspectiva funcional, la paráfrasis melódica actúa como estrategia de anclaje: el oyente reconoce el tema aun cuando es transformado creativamente. Art Tatum, virtuoso del piano en la era del swing, ilustra magistralmente esta práctica. En su versión de Over the Rainbow, recorre con libertad ornamental la forma AABA, desplegando una armonización sofisticada que no destruye la melodía original, sino que la reinterpreta y revitaliza. La paráfrasis melódica funciona, así como una forma de fidelidad creativa.

Con la evolución del lenguaje jazzístico hacia el bebop y sus desarrollos posteriores, el concepto de improvisación adquirió un carácter más abstracto y técnico. En ese marco, el enfoque acorde-escala se consolidó como uno de los pilares de la improvisación moderna.

Este modelo propone una correlación entre cada acorde y una o varias escalas compatibles. En lugar de pensar en acordes aislados y sus notas constitutivas —como en la lógica funcional clásica—, el improvisador parte del arpegio como base estructural y selecciona una escala que contenga el material sonoro adecuado, permitiéndole construir líneas melódicas con coherencia interna y continuidad.

Este sistema no elimina la expresividad ni la intuición, sino que provee una gramática sobre la cual el intérprete despliega su discurso. John Coltrane, en su emblemática Giant Steps (1959), llevó esta concepción al límite: la sucesión de acordes distantes exige cambios veloces de escala y una organización motívica extremadamente eficaz.

A fines de los años cincuenta, como respuesta al vértigo armónico del bebop, surgió la improvisación modal. Impulsada por Miles Davis en Kind of Blue (1959) y por las teorías de George Russell, esta estrategia propuso una simplificación armónica que, paradójicamente, habilitó nuevas dimensiones expresivas.

A diferencia del enfoque acorde-escala, que implica una sucesión cambiante de acordes y escalas, la modalidad se basa en la estabilidad: se mantiene un único modo durante extensos pasajes. Esta permanencia permite al improvisador explorar el color del modo, sus tensiones internas y sus variaciones rítmicas sin la presión de cambios armónicos constantes.

En So What, por ejemplo, los músicos improvisan largamente sobre el modo dórico de re, desplazándose brevemente al dórico de mi♭ en el puente. El contraste es sutil pero eficaz. Esta economía modal también puede rastrearse en solos de Louis Armstrong, como en el cierre de West End Blues: tras la intervención pianística de Earl Hines, Armstrong responde con una nota sostenida y frases descendentes simples que evocan la lógica expresiva del blues. La potencia estética no reside en la complejidad, sino en la precisión expresiva de cada gesto.

La improvisación de Charlie Parker en Now's the Time suele citarse como paradigma del bebop, aunque encierra elementos heredados del blues. En el tercer chorus (1:03–1:10), Parker se aparta momentáneamente del enfoque acorde-escala y superpone licks derivados de la escala de blues sobre la progresión armónica subyacente. Este gesto no contradice la armonía, sino que la resignifica: introduce tensiones expresivas que dialogan con el campo tonal sin someterse enteramente a él.

Desde una perspectiva analítica, puede observarse que Parker integra diversas lógicas en un mismo discurso. Su línea melódica se apoya en escalas pentatónicas y blue notes, al tiempo que mantiene puntos de contacto con los acordes fundamentales. Esta interacción entre el lenguaje tonal y el blusero es una de las claves del estilo bebop, y explica por qué la obra de Parker continúa siendo objeto de estudio.

El estudio de la improvisación en el jazz revela un sistema sofisticado de decisiones estilísticas y cognitivas. Desde la paráfrasis melódica, que parte del respeto al tema, pasando por el enfoque acorde-escala que organiza la improvisación como una arquitectura sonora, hasta la modalidad como campo de exploración expandido, cada estrategia implica una manera particular de concebir la música y de habitar el tiempo sonoro.

En la práctica, muchos intérpretes combinan estos enfoques de forma flexible, adaptándolos al repertorio, al contexto estilístico y a sus propias búsquedas expresivas. Comprender estas estrategias no solo enriquece la escucha, sino que contribuye a una apreciación más profunda del jazz como arte de la transformación. Por Marcelo Bettoni