El Jazz Vernáculo: Danza, Identidad y Resistencia Cultural

 

El jazz no es solo música, es un lenguaje integral que abarca movimiento, identidad cultural y resistencia. Como complemento a la información presentada en mi libro Las Rutas del Jazz, en este artículo exploramos el jazz vernáculo: una tradición dancística surgida de la diáspora africana en América, cuya influencia ha dejado una huella profunda en la cultura popular a nivel mundial. El jazz, más allá de su sonoridad, también se expresa a través del cuerpo, convirtiéndose en una forma de resistencia y afirmación cultural.

El término "jazz vernáculo" hace referencia a los estilos de baile afroamericanos que nacieron de manera orgánica en entornos sociales como reuniones comunitarias, clubes y salones de baile. Estos bailes reflejan los valores esenciales del jazz como género musical: la improvisación, la creatividad individual y, sobre todo, la conexión con el ritmo. Así, el movimiento corporal se convierte en una extensión de la música, permitiendo que el cuerpo hable de una manera tan libre y expresiva como lo hace el instrumento.

Este concepto fue explorado ampliamente por Marshall y Jean Stearns en su libro Jazz Dance: The Story of American Vernacular Dance (1968), donde destacan que estas formas de danza nacen de las interacciones cotidianas de las comunidades afroamericanas y reflejan sus experiencias sociales e históricas. En este sentido, la danza no es solo un medio de expresión artística, sino también una herramienta para narrar historias, preservar memorias y construir identidades.

En muchas regiones de África, la danza formaba una parte esencial de la vida cotidiana, desempeñando un papel central en rituales religiosos y celebraciones. Según Sterling Stuckey en Slave Culture: Nationalist Theory and the Foundations of Black America (1987), el ring shout, una práctica en la que los participantes se movían en círculos mientras cantaban y aplaudían, mantuvo vivas las conexiones culturales en las Américas, incluso bajo la opresión. Esta práctica, como muchas otras formas de danza africana, fue una forma de resistencia que permitió a las comunidades esclavas preservar su identidad.

En paralelo, los cantos espirituales y de trabajo establecieron un puente entre las tradiciones africanas y las estructuras musicales occidentales, inspirando movimientos corporales que luego influirían en los estilos de baile asociados al jazz. Uno de estos estilos fue el Cakewalk, estudiado por Ralph Ellison en su ensayo Change the Joke and Slip the Yoke (1958), que utilizaba movimientos exagerados para parodiar a los propietarios blancos de las plantaciones. Este baile, cargado de sátira y crítica social, llegó a ser tan influyente que incluso se incorporó a las danzas europeas de salón.

Los jooks, pequeños bares y espacios sociales mencionados por Zora Neale Hurston en sus crónicas etnográficas, eran lugares donde estilos como el Slow Drag se fusionaban con la música blues temprana, marcando así la transición hacia formas más modernas de jazz. Estos espacios informales de encuentro y expresión fueron esenciales en el proceso de evolución del jazz y sus formas de baile, que continuarían transformándose con el tiempo.

El Charleston, símbolo de los años 20, fue popularizado gracias a Broadway y a músicos como James P. Johnson, quien compuso la canción "The Charleston" (1923). Este baile fue documentado en The History of Jazz Dance de Lindsay Guarino y Wendy Oliver (2014) como un claro ejemplo de cómo la danza afroamericana redefinió los ideales de la modernidad en Estados Unidos. A través de movimientos rápidos y enérgicos, el Charleston rompió con las convenciones tradicionales de la danza, reflejando el espíritu de libertad y rebeldía de la época.

El Lindy Hop, desarrollado en el Savoy Ballroom de Harlem, también marcó un antes y un después en la historia del jazz vernáculo. Frankie Manning, uno de sus principales exponentes, no solo popularizó los air steps, sino que también rompió barreras raciales en los salones de baile, creando espacios inclusivos donde la diversidad era celebrada. Estos bailes grupales, como muchos otros mencionados, siguen siendo pilares fundamentales dentro de la escena contemporánea del swing, manteniendo viva la esencia del jazz vernáculo.

Además, la influencia del jazz vernáculo no se detuvo en el pasado, sino que sigue resonando en las formas de danza moderna. Thomas F. DeFrantz, en su obra Dancing Many Drums: Excavations in African American Dance (2002), estudió cómo movimientos básicos del jazz, como el Boogie Back, han dejado una huella directa en la coreografía y la cultura popular contemporánea, especialmente en el hip hop. Así, el jazz vernáculo no solo es un capítulo de la historia del baile, sino una tradición viva que continúa inspirando a nuevas generaciones.

Desde los gritos circulares hasta los movimientos que vemos en las coreografías actuales, el jazz vernáculo cuenta historias de resistencia, creatividad y conexión. Como afirmó Frankie Manning, pionero del Lindy Hop:

"El jazz vernáculo es un recordatorio de que bailar no solo es moverse; es sentir, conectar y compartir un pedazo de tu alma con los demás."

Fuentes de information

1. Bettoni, Marcelo. Las Rutas del Jazz. Ediciones Publiquemos, 2024.
2. Stearns, Marshall y Jean. Jazz Dance: The Story of American Vernacular Dance. Da Capo Press, 1968.
3. Stuckey, Sterling. Slave Culture: Nationalist Theory and the Foundations of Black America. Oxford University Press, 1987.
4. Southern, Eileen. The Music of Black Americans: A History. W.W. Norton, 1997.
5. Hurston, Zora Neale. Mules and Men. Harper Perennial, 1935.
6. Miller, Norma. Swingin’ at the Savoy: The Memoir of a Jazz Dancer. Temple University Press, 1996.
7. DeFrantz, Thomas F. Dancing Many Drums: Excavations in African American Dance. University of Wisconsin Press, 2002.
8. Monaghan, Terry. "Savoy Ballroom and the Development of the Lindy Hop." Artículos publicados en Dance Research Journal.