La evolución de la armonía en el jazz: un breve recorrido desde sus orígenes hasta la contemporaneidad

 

 

La armonía en el jazz ha sido un campo dinámico, donde convergen la tradición musical europea, la expresividad africana y la innovación creativa de sus intérpretes. A diferencia de la música clásica occidental, donde la evolución armónica ha sido uno de los motores principales, en el jazz la transformación se ha dado también —y quizás primordialmente— a través del ritmo, la textura y el timbre, aunque sin dejar de incorporar elementos e innovaciones armónicas de la música académica, desde sus primeras décadas.

El jazz tradicional, con raíces en Nueva Orleans a finales del siglo XIX y principios del XX, se fundamenta armónicamente en la tonalidad europea clásica, especialmente en las funciones de tónica, subdominante y dominante. No obstante, este sistema se enriquece mediante la incorporación de elementos propios del blues, como las blue notes (terceras, quintas y séptimas menores o disminuidas), que aportan una tensión expresiva y un colorido único.

En esta etapa, estilos como el ragtime —ejemplificado por Maple Leaf Rag (1899) de Scott Joplin— aportaron patrones rítmicos y progresiones tonales claras que influyeron en la estructura del jazz primitivo. Asimismo, piezas como Tiger Rag (1917) de la Original Dixieland Jazz Band evidencian progresiones armónicas y repetitivas que facilitan la improvisación colectiva.

Durante las décadas de 1930 y 1940, el swing consolidó el jazz como un fenómeno masivo, y el lenguaje armónico comenzó a enriquecerse notablemente. Arregladores y líderes como Duke Ellington y Count Basie expandieron el uso de extensiones armónicas —séptimas, novenas, undécimas— que añadieron color y sofisticación al sonido orquestal.

Ejemplos como Take the “A” Train (1941) de Ellington o Sing, Sing, Sing (1937) de Benny Goodman reflejan esta evolución, donde la armonía se combina con una estructura rítmica bailable y atractiva.

El bebop, surgido en la década de 1940 con figuras como Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Thelonious Monk, representa una transformación radical en la armonía del jazz. Esta etapa se caracteriza por el uso intensivo de sustituciones, patrones de segundo y quinto grado, acordes alterados y una aceleración en la velocidad de los cambios armónicos.

Recomposiciones melódicas y armónicas de temas como Ornithology (1946) de Parker y Donna Lee (1947) ejemplifican esta complejidad, con líneas melódicas virtuosas que recorren estructuras armónicas mucho más densas y exigentes que las de épocas anteriores.

En los años 50, el cool jazz y el hard bop diversificaron el lenguaje armónico del bebop. El cool jazz, con músicos como Miles Davis (Boplicity, 1949) y Lennie Tristano, utiliza armonías más relajadas y una aproximación más hacia el contrapunto, favoreciendo texturas más complejas y sumando variados los instrumentos no tan característicos del estilo

Por su parte, el hard bop, representado por Art Blakey y Horace Silver, retoma elementos del blues y el gospel, combinándolos con la sofisticación bebop para crear armonías cargadas de emoción y fuerza, como en Moanin’ (1958).

El post-bop, desarrollado en la década de 1960 por músicos como Miles Davis, Wayne Shorter y Herbie Hancock, incorpora una gran libertad armónica y formal. Este estilo integra progresiones menos predecibles, generando una ambigüedad armónica tomando elementos del posromanticismo.

Piezas como E.S.P. (1965) de Davis y Footprints (1966) de Shorter son paradigmas del post-bop, donde la exploración armónica es intensa y abierta, estableciendo un puente entre tradición y vanguardia.

El jazz modal, ejemplificado en Kind of Blue (1959) de Miles Davis y Impressions (1963) de John Coltrane, rompe con la estructura armónica funcional. Toma como base   acordes y progresiones para centrarse en la exploración dentro de modos o escalas. Esto permite una mayor libertad melódica, que no privilegian la armonía funcional sino la textura y la atmósfera.

A finales de los años 50 y en los 60, el free jazz, con figuras como Ornette Coleman y Cecil Taylor, renunció a la armonía funcional y modal para explorar la expresión libre y colectiva. En obras como Lonely Woman (1959) y Conquistador! (1966), la tonalidad se disuelve, y la música se fundamenta en la interacción inmediata, la dinámica y el timbre, generando nuevas formas de tensión y resolución.

Desde los años 70, el jazz ha integrado las exploraciones armónicas de sus etapas anteriores en un lenguaje flexible y sofisticado. Músicos como Keith Jarrett (The Köln Concert, 1975) y Pat Metheny (Bright Size Life, 1976) combinan armonías modales, blues, impresionismo y atonalidad con virtuosismo técnico y sensibilidad expresiva.

La historia armónica del jazz refleja un constante diálogo entre tradición y cambio, entre raíces culturales diversas y la búsqueda individual de libertad y expresión. Esta evolución sigue siendo un campo abierto donde músicos continúan expandiendo los límites sonoros y conceptuales del género.

Por Marcelo Bettoni