Las Rutas del jazz

  El Repository , con más de 400 páginas, no es un método tradicional ni una colección de ejercicios progresivos, sino una compilación abierta de materiales melódicos, escalas simétricas y asimétricas, fórmulas interválicas, patrones rítmicos, series transposicionales y estructuras derivadas de músicas modales y no temperadas. Se incluyen escalas utilizadas en la música hindustánica (como Bhairav, Todi o Kafi), modos derivados del maqam árabe, y escalas sintéticas propias del autor. La obra está organizada de modo que cada página actúa como un "módulo autónomo", y en muchos casos Lateef no ofrece una aplicación directa o contexto armónico, sino una notación en notación tradicional occidental, con indicaciones ocasionales sobre digitaciones o fraseo. La propuesta es que el lector, músico o investigador, integre estos elementos en su lenguaje personal mediante la práctica, la audición comparativa y la experimentación compositiva. Lateef definía este proceso como autodiscip...

  En el imaginario común, la improvisación en el jazz es muchas veces interpretada como una manifestación de genialidad individual: un solista se lanza al vacío sonoro, sin red, inventando melodías con intuición y virtuosismo. Sin embargo, esta imagen romántica no alcanza a describir la complejidad real del fenómeno. La improvisación en el jazz no es una hazaña solitaria, sino una forma sofisticada de inteligencia colectiva . Es un lenguaje compartido que se renueva en tiempo real, una conversación musical que requiere no solo habilidad técnica, sino también escucha profunda, memoria, sentido del espacio y del tiempo. Lejos de ser un caos ordenado por azar, la improvisación jazzística obedece a una lógica interna , articulada por estructuras formales, reglas armónicas, gestos rítmicos y, sobre todo, por una ética de la interacción. En esta lógica subyace una paradoja fascinante: cuanto mayor es el grado de libertad, más estricta debe ser la responsabilidad del músico con el gru...

Jazz Night in America: Cuando el jazz entra a casa y se hace de todos En un rincón de la radio pública norteamericana, un programa ha logrado convertir las noches en auténticos viajes musicales. Jazz Night in America, producido por NPR Music, WBGO y Jazz at Lincoln Center, no solo documenta la vibrante actualidad del jazz en Estados Unidos, sino que abre una ventana amigable y profunda hacia su pasado y su porvenir. Conducido originalmente por el contrabajista Christian McBride, esta propuesta no se queda en el concierto o la entrevista: lo convierte en experiencia, en relato, en emoción compartida. Desde clubes íntimos hasta grandes festivales, pasando por grabaciones en universidades o iglesias reconvertidas en escenarios, cada episodio da voz a los músicos, el contexto y las historias invisibles del jazz. Muchos padres y docentes se preguntan: ¿cómo acercar el jazz a las nuevas generaciones? ¿Cómo lograr que un chico o chica descubra, en medio de la inmediatez digital, el tempo lent...

  Uno de los secretos mejor guardados —aunque presente a lo largo de toda la historia del jazz— es la manera en que los músicos han tomado estructuras simples y familiares para construir mundos sonoros radicalmente nuevos. Un ejemplo brillante de esto es la forma AABA de 32 compases , que desde la década de 1920 se convirtió en una de las herramientas favoritas del repertorio jazzístico. La forma AABA, habitual en la música popular estadounidense, fue la base sobre la cual muchos músicos de jazz pudieron desarrollar sus improvisaciones, reharmonizaciones y nuevas composiciones. La sección A se repite dos veces, se introduce un contraste con la sección B (conocida como puente ), y finalmente se regresa a la sección A. Esta estructura simétrica ofrecía tanto estabilidad como libertad. Ya en 1926, artistas como Lester Young, Benny Goodman y Coleman Hawkins demostraban cómo una canción popular podía transformarse mediante la interpretación jazzística. Obras como "Oh! Lady Be Goo...

    La grabación de A Sailboat in the Moonlight realizada por Billie Holiday en 1937 no sólo es una joya musical; es también un testimonio vívido de la interacción artística entre dos figuras esenciales del jazz: la cantante Billie Holiday y el saxofonista tenor Lester Young. En poco más de tres minutos, condensan una sensibilidad compartida que transformó la manera de concebir el fraseo, la forma y el swing en el jazz vocal e instrumental. Grabado para el sello Vocalion el 1 de junio de 1937 en Nueva York, A Sailboat in the Moonlight se inscribe dentro de la tradición de grabaciones de corta duración —limitadas por el formato físico de los discos de 78 revoluciones por minuto, que permitían entre 3 y 3 minutos y medio por cara—. Este condicionamiento técnico obligaba a una economía formal precisa, lo que derivó en una estructura perfectamente delineada: tres coros sobre la forma estándar AABA de 32 compases. Holiday entra tras una introducción instrumental de cuatro co...

  En los pasillos de la Escuela de Negocios de Harvard, donde la estrategia empresarial y el liderazgo son temas centrales, un nuevo paradigma ha comenzado a resonar con fuerza: el jazz. Sí, esa música vibrante, impredecible y profundamente humana, que alguna vez fue considerada solo un arte, hoy se estudia como una fuente de inspiración para la gestión exitosa de equipos y organizaciones. Harvard ha descifrado el código: los principios de la improvisación en el jazz pueden aplicarse de manera sorprendentemente efectiva al mundo de los negocios. No se trata de metáforas vacías. La lógica detrás de esta conexión se apoya en una realidad palpable: en un entorno empresarial cada vez más volátil, incierto, complejo y ambiguo (el famoso entorno VUCA), la capacidad de adaptación, escucha activa y toma de decisiones en tiempo real se vuelve esencial. Y ahí es donde el jazz entra en juego. En un conjunto de jazz, los músicos no siguen una partitura rígida; construyen la música en tie...

  Cada 19 de junio, la conmemoración de Juneteenth resuena como una fecha clave en la memoria histórica afroamericana. Más allá de su carácter festivo, este día evoca la complejidad de una libertad anunciada con retraso —la de los últimos esclavizados liberados en Galveston, Texas, en 1865— y expone las tensiones profundas entre emancipación legal y ciudadanía efectiva. En este marco, la bandera estadounidense —ese emblema tantas veces disputado— se convierte en símbolo contradictorio: de promesas incumplidas y, al mismo tiempo, de una afirmación desafiante por parte de quienes se negaron a aceptar la condición de “no americanos”. Durante la Reconstrucción (1865–1877), los desfiles de emancipación se desarrollaron en un clima de amenaza constante. Aún con la abolición formal de la esclavitud y las enmiendas 13, 14 y 15 constitucionales, hombres y mujeres afroamericanos eran brutalizados por el solo hecho de participar en actos patrióticos. Agredirlos por ondear la bandera era ...

  El archivo Wayne Shorter en la Biblioteca Pública de Nueva York: una fuente invaluable para la investigación del jazz Por Marcelo Bettoni Investigador y divulgador del jazz Durante mi reciente estadía en la ciudad de Nueva York tuve la oportunidad de acceder a una noticia que resonó de manera especial en el ámbito de la musicología y los estudios jazzísticos: la incorporación del archivo personal de Wayne Shorter al acervo de la New York Public Library for the Performing Arts . La magnitud documental y simbólica de este acontecimiento lo convierte en una fuente fundamental para comprender no sólo el pensamiento compositivo de Shorter, sino también la evolución estética y conceptual del jazz desde mediados del siglo XX hasta nuestros días. El archivo, resguardado en la Music and Recorded Sound Division , abarca más de 128 pies lineales de materiales, incluyendo más de 250 manuscritos completos y una extensa colección de borradores parciales, arreglos inéditos, notas armónica...

    Entre los nombres que marcaron la guitarra de jazz en las décadas de 1980 y principios de los ’90, Emily Remler ocupa un lugar singular. No sólo por ser una de las pocas mujeres instrumentistas que alcanzó reconocimiento en un ambiente dominado por hombres, sino por haberlo hecho con una voz estética definida, personal y profundamente musical. Su legado, aunque truncado por su prematura muerte en 1990, permanece vivo en una serie de grabaciones que revelan una artista de gran sensibilidad y profundidad técnica. East to Wes (1988) En este álbum homenaje a Wes Montgomery, Remler no se limita a la cita superficial. Asimila y reinterpreta la herencia del maestro con inteligencia y respeto. Desde la elección tímbrica —una guitarra cálida, sin distorsión, con un fraseo articulado con pulso— hasta el uso del espacio y la forma, todo en este disco evidencia una madurez estilística poco común.El tema “Movin’ Along” es paradigmático: Remler combina arpegios amplios, desplazam...

    Pocas trayectorias en el jazz moderno condensan tanto coraje, virtuosismo y sensibilidad como la de Emily Remler. Su testimonio autobiográfico —tan conciso como revelador— no solo da cuenta de sus primeros pasos profesionales, sino que nos invita a repensar el papel de la mujer en una escena musical aún dominada por figuras masculinas. En la década de 1980, Remler emergía como una de las guitarristas más lúcidas de su generación, llevando la voz de su instrumento a una madurez poco común a tan temprana edad. Formada en Berklee College of Music, compartió aulas con músicos que luego serían referentes indiscutidos del jazz contemporáneo: John Scofield, Mike Stern, Pat Metheny y John Abercrombie. Pero lejos de quedar eclipsada por estas luminarias, Remler supo tejer su propio camino, absorbiendo las influencias del bebop, del swing y de la fusión, para forjar un lenguaje expresivo profundamente personal. Fue precisamente en ese entorno académico donde conoció a Herb Ellis...

  Entre las muchas facetas que el jazz ha sabido desplegar a lo largo de su historia, una de las más encantadoras es, sin duda, su capacidad para dialogar con lo lúdico, lo popular y lo entrañable. En ese cruce se sitúa la interpretación de Rubber Duckie —la célebre canción de Sesame Street — por la Jazz at Lincoln Center Orchestra (JLCO) bajo la dirección de Wynton Marsalis, un ejemplo luminoso de cómo el jazz puede tender puentes entre generaciones y tradiciones culturales. La versión de Rubber Duckie por la JLCO es una muestra del talento de sus arregladores y solistas. El arreglo —lleno de swing, humor y un guiño constante al oyente— transforma el tema en una pequeña suite jazzística, donde los metales dialogan en secciones juguetonas, los vientos alternan fraseos llenos de picardía y la base rítmica sostiene el groove con naturalidad. Los solos, como es habitual en la orquesta, están cargados de virtuosismo pero sin perder el tono desenfadado que requiere la pieza. El resu...

  En los vibrantes años veinte, cuando el jazz florecía en los salones de baile y en las primeras transmisiones radiofónicas, surgió una agrupación que desafió estereotipos y deslumbró al público internacional: The Ingenues . Este conjunto, integrado íntegramente por mujeres, combinaba virtuosismo musical, carisma escénico y un repertorio que iba del jazz a la música popular de la época, conquistando escenarios de Estados Unidos, Europa y Sudamérica. Fundadas en Chicago hacia mediados de la década de 1920, The Ingenues fueron pioneras en el fenómeno de las “orquestas femeninas”, aunque reducidas a menudo al rótulo de “orquestas de señoritas” en los medios de la época. Lo cierto es que sus integrantes, lejos de ser un mero atractivo visual, demostraban un dominio absoluto de sus instrumentos, el banjo , un emblema sonoro del jazz primitivo. En 1928, durante el apogeo de su carrera, The Ingenues solían presentar impactantes números en los que un conjunto de banjoistas interpr...

El nombre de Clora Bryant (1927-2019) merece figurar con justicia en la historia del jazz como símbolo de talento, coraje y resiliencia. Trompetista excepcional en un mundo de hombres, mujer afroamericana en un país marcado por el racismo, y figura central del jazz de la Costa Oeste, Bryant no solo se destacó por su destreza musical, sino por su incansable labor como educadora y defensora del legado del jazz. Nacida en Denison, Texas, el 30 de mayo de 1927, Clora Bryant creció en un hogar donde la música ocupaba un lugar esencial. Su padre, Charles, un apasionado de la música, alentó a sus hijos a explorar el arte. Clora comenzó tocando el piano, pero pronto se sintió atraída por la trompeta, instrumento con el que encontró su verdadera voz. Durante su adolescencia, tras la muerte de su madre, la familia se trasladó a Los Ángeles, donde Clora ingresó en el Manual Arts High School, una institución con un rico programa musical. En tiempos donde las big bands femeninas surgían como ...

San Francisco, ciudad de nieblas, colinas y diversidad cultural, ha sido también un puerto esencial en la travesía del jazz a lo largo del siglo XX y XXI. Si bien Nueva Orleans, Chicago y Nueva York suelen ocupar el centro de la narrativa del jazz, la historia de este género en la costa oeste —y en particular en San Francisco— revela un crisol sonoro tan innovador como influyente. El jazz arribó a San Francisco en las primeras décadas del siglo XX, impulsado por los movimientos migratorios y las rutas marítimas que conectaban la ciudad con Nueva Orleans y otros puertos del sur de Estados Unidos. Los barrios de Fillmore y Tenderloin se transformaron pronto en epicentros musicales. El Fillmore District, conocido como el “Harlem del Oeste”, fue un hervidero de clubes nocturnos, donde el jazz se mezclaba con el blues y el rhythm & blues, y donde las comunidades afroamericanas encontraron un espacio para la expresión cultural. Durante los años 30 y 40, San Francisco fue un punto c...

  Durante las décadas de 1950 y 1960, la guitarra en el jazz experimentó una transformación significativa, alejándose de su función meramente rítmica y de acompañamiento que había dominado las primeras etapas del género. En este período, el instrumento comenzó a consolidarse como una voz solista capaz de dialogar de igual a igual con los metales y las maderas, y de enriquecer las texturas sonoras del jazz moderno. Figuras como Jack Marshall jugaron un papel importante en este proceso de expansión estilística y técnica. Jack Marshall (1921-1973), guitarrista, compositor y productor asociado a Capitol Records, fue uno de esos músicos versátiles que supieron moverse con soltura entre los mundos del jazz, el pop y la música para cine y televisión. Su actividad como guitarrista de jazz no fue la más prominente de su carrera, pero resulta significativa al observar su participación en proyectos junto a grandes nombres como Shelly Manne, Laurindo Almeida, Barney Kessel, Benny Carter, H...

La historia de la guitarra en el jazz también se escribe con nombres de mujeres que, con talento y perseverancia, desafiaron los moldes de su tiempo. Antes de que la guitarra eléctrica revolucionara el lenguaje del jazz, la guitarra acústica fue esencial en las primeras formaciones del jazz tradicional, en contextos rurales, urbanos y populares. En ese mundo de jug bands, string bands y música vaudeville, algunas mujeres empezaron a destacarse:  En primer lugar, es imposible no mencionar a Ida Presti (1924–1967). Aunque de origen francés y principalmente reconocida por su aporte a la música clásica, fue una virtuosa de la guitarra acústica cuya aproximación al instrumento como voz solista influyó en generaciones posteriores. De este modo, su legado sería recogido, especialmente, por muchas guitarristas del jazz europeo. Por otra parte , en los años cuarenta, Georgina "Tiny" Davis y las integrantes de la International Sweethearts of Rhythm marcaron un hito. Aunque la gu...